Neoexpresionismo

Donde y cuando surge:

El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda

  

Temática:

• Toman elementos del Expresionismo y de movimientos anteriores de signo contrario. De la mezcla de todo logran crear un producto nuevo.
• La heterogeneidad de planteamientos.
• La representación del héroe, mitologías nacionales e individuales.
• Símbolos de poder.

 Técnica:

• Obras de gran tamaño.
• El "dripping", pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela.
• Obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción.
• Utilizan gamas cromáticas amplias, con intensos contrastes cromáticos.
• La figuración desde su tratamiento violento y primitivo, determinado por la pincelada y el uso de colores contrastantes.

Principales autores: Emil Nolde, Max Beckmann, George Grosz, James Ensor y Edvard Munch;Anselm Kiefer. 

 " El alquimista" de Anselm Kiefer

El autor:
Anselm Kiefer (Donaueschingen, 8 de marzo de 1945) es un pintor y escultor alemán, adscrito al Neoexpresionismo, una de las corrientes del arte postmoderno surgida en los años 80.

Kiefer es uno de los artistas alemanes posteriores a la Segunda Guerra Mundial más conocidos, pero también de los más controvertidos. Famoso sobre todo por sus pinturas matéricas, en su obra Kiefer afronta el pasado y toca temas tabú de la historia reciente alemana, sobre todo del nazismo. Para pintar el cuadro Margarethe, por ejemplo, se inspiró en uno de los poemas más famosos de Paul Celan, Todesfuge, escrito a partir de su experiencia en los campos de concentración.

La obra:

La subraya la solemnidad y la naturaleza trascendente de su contenido no sólo por sus cualidades táctiles, sino por la violencia de su pincelada y la opacidad que transmite una paleta de colores casi monocroma, mezclada con materiales poco ortodoxos y endebles como plomo, alambre, paja, yeso, barro, ceniza o polvo, o flores y plantas reales, en contraste con la transparencia de su significado.

Fuentes de información:

es.wikipedia.org/wiki/Neoexpresionismo –

www.masdearte.com › Movimientos ›

www.arteseleccion.com/movimientos.../neo-expresionismo-33

Hiperrealismo

Donde y cuando surge:

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. Tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, favorable a la literalidad del trampantojo. Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.

Temática:

• Fueron paisajes urbanos, escaparates, automóviles, motocicletas y demás objetos de consumo.
• Tendencia es fría e impersonal.
• La representación de los motivos en el plano detalle a gran escala, con lo que se consigue un cierto nivel de abstracción, teniendo en cuenta que se separa el motivo de su entorno.
• Exactitud de los detalles contrastada con la irrealidad del efecto espacial y la capacidad de convertir en temas pictóricos.

Técnica:

• Reproducir de una forma exacta y meticulosa, tanto en lo que respecta a la forma, como a la luz y al color.
• No dejar rastro alguno del pincel.
• Plasmar la diferencia entre objeto real y su imagen pintada: lo real trasladado al lienzo mediante la cámara fotográfica.

Principales autores: Ralph Goings, Malcolm Morley o Don Eddy, Richard Estes y Ralph Goings .

 "El rayo verde" de Don Eddy

La obra:

Aquí nos presenta la gama de Escarabajos Volkswagen, todo un clásico, en fila. Infunden estos vehículos cierta complejidad: por un lado, cierto lujo de esos vibrantes colores, los reflejos al agua, la limpieza de sus carrocerías y por otro, la ordenación milimétrica de lo expuesto incorpora masificación, mercado, competencia.

El autor:

Don Eddy, pintor estadounidense, tiene como protagonista de sus pinturas a los automóviles. En ellas brillan los tonos metalizados y el más sofisticado toque urbano

 Fuentes de informacion:

es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo

www.pacoyuste.com/paginas/el_hiperrealismo.htm

elrayoverde.blogia.com/.../030601-don-eddy-1944-.php

Op Art

Donde y cuando surge:

El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958.Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas.

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Temática:

• La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
• Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.
• En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
• El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.
• Aunque el movimiento no sea real, el efecto es de total dinamismo.
• En la retina se sienten vibraciones, altibajos, formas que emergen y se retrotaen.
• Confusión entre fondo y primer plano.

Técnica:

• Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.
• Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas.
• Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
• Gran efecto de profundidad.
•  Hábil uso de las luces y las sombras.

Principales autores:Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.

"Tigers" de Víctor Vasarely

La obra:

Está obra se hizo en 1938, predomina el huso de las curvas en una superficie plana que da la apariencia de figuras de tigres en el comienzo de una pelea.
Es una de las obras con efecto óptico.
Predominan los colores oscuros y sobre ellos tonos brillantes que le dan luz a la imagen.

El autor:

Víctor Vasarely (Pécs, Hungría, 9 de abril de 1908 - Francia, 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art.

Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor, , que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes, Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

Fuentes de informacion:

http://historiavictorvasarely.blogspot.com/
es.wikipedia.org/wiki/Op-art -
www.spanisharts.com/history/.../arte.../op-art.html

Pop Art

Donde y cuando surge:

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX .Este movimiento irónico de pintura surge en 1960 en Norteamérica. El Pop es una manifestación tecnológica de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

Temática:

• Empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación tales como los anuncios publicitarios , cómics , Books , objetos culturales y del mundo del cine erótico.
• Buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elística cultura existente separándolas de su contexto o combinándolas con otras.
• Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos.

  

Técnica:   

• Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar. 
• Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los artistas. 
• Mezcla de diferentes elementos y objetos volcándolos en texturas y colores, nunca antes usados, convirtiéndolos en verdaderas obras de artes. 
• El silkscreen, el óleo, algunas técnicas de la publicidad y de la producción masiva además de utilizar collages y fotografías. 
• Incluyeron además esculturas, así como tiras de cómic, latas de sopa, cerveza o señales de tráfico. 
• Los materiales como el poliéster, la goma espuma o la pintura acrílica, ocuparon un lugar destacado.

Principales autores:: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert

 

 

"Latas de sopa Campbell" de Andy Warhol.

La obra:

Latas de sopa Campbell es una obra de arte producida en 1962 por el artista estadounidense Andy Warhol.

Consiste en treinta y dos lienzos, cada uno de 50,8 cm de alto por 40,6 cm de ancho y con una pintura de una lata de sopa Campbell .Las pinturas individuales fueron realizadas con un proceso semimecanizado de serigrafía. El apoyo de Campbell's Soup Cans en temas de cultura popular ayudó al arte pop a instalarse como un movimiento artístico de trascendencia.

El autor:

Andy Warhol fue provocador, frívolo, mordaz, brillante, a veces irritante y siempre audaz e inteligente, Warhol fue el auténtico gurú del Pop, el Papa -como el mismo ironizaba- de una corriente que explotó hasta sus últimas consecuencias y de la que funcionó como símbolo y mascarón de proa, abarcando todas sus posibilidades expresivas y utilizando todos los medios y técnicas a su alcance. De sus factorías, como llamaba sin pudor a sus talleres, subrayando explícitamente la génesis industrial y el fin comercial de sus obras, salieron durante más de treinta años las imágenes y los objetos más conocidos del pop art. Cultivó su propia imagen con la misma mercadotécnica publicitaria que su obra.

 Warhol se esforzó siempre por hacer realidad el principio de que el arte no es más que lo que los espectadores consumen.  Imágenes de consumo en serie en las que la firma del autor es ya una marca registrada. 

fuentes de informacion:

es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

artpop.htmlplanet.com/popart.htm

www.cossio.net/actividades/.../p_04.../pop_art.htm

Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.  
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Postimpresionismo

Dónde y cuándo surge:

El postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX .Los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas y reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones.

La temática:

Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras humanas.

Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético.

Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos.

Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior.

Interés por lo exótico y los bajos fondos.

Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos

La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador.

La técnica:

Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.

Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulados.

aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles.

  

Principales autores: Paul Gauguin ; Paul Cézanne ; Van Gogh ;Toulouse-Lautrec.

"La noche estrellada" de Van Gogh

La obra:

La noche estrellada es una obra maestra del pintor neo-impresionista Vincent van Gogh. El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Sin embargo, la obra fue pintada durante el día, de memoria. Data de mediados de 1889, trece meses antes del suicidio de van Gogh.

Van Gogh deja claro que el tema que supedita la obra está representado en el cielo y no en la tierra.

EL autor:

Van Gogh se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes( amarillo sobre naranja).

Fuentes de información:

tom-historiadelarte.blogspot.com/.../el-postimpresionismo.html

es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo

es.wikipedia.org/wiki/La_noche_estrellada

Expresionismo

Dónde y cuándo surge:

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX.Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fovismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y exagerando los temas.

La temática:

• El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. 
• Reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entre guerras (1918-1939)
• Defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos (lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido). 
• Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad.
• Revelo el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. 

La técnica:

• Emplearon la línea y el color de un modo temperamental y emotivo.
• La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.  

Príncipales autores: Ensor ; Edvard Munch. 

" El Grito" de Edvard Munch

La obra:

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.

El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural.

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.

El autor:

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

Fuentes de información:

es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo 

www.arteespana.com/expresionismo.htm

Genios de la pintura impresionista, postimpresionista y neoimpresionista.